Nacho Angulo «A crea înseamnă a da semne despre ceea ce nu putem numi»
Artistul Nacho Angulo, „tâmplarul”, vorbește despre cariera sa, despre eforturile creatorului, despre singurătatea pe care o simte atunci când contemplă o operă de artă și despre ultimele sale proiecte
@ABC_Cultural Actualizat: 17.09.2015 13: 53h
«Eu, în singurul autoportret pe care l-am făcut de mult timp, sunt orb. Pentru mine calea pictorului este foarte dificilă, viziunea este foarte slabă. Cu ce pictează un pictor orb? » Faptul că Nacho Angulo (Madrid, 1952) se prezintă ca un orb este un simbol pentru cei care îi cunosc opera. Poate că un motiv pentru puterea lucrărilor sale este vizibilitatea pe care o câștigă elementele invizibile. Este un efect concret care surprinde privitorul: în piesele terminate ale lui Angulo poți simți timpul folosit și suferința intelectuală a fiecărei decizii luate în timpul construcției. Sunt ca Ithacas, care conțin calea parcursă.
Nacho Angulo a început să picteze când avea un băiat de opt ani și Martín Sáez, un prieten al tatălui său, l-ar vizita pentru a-l învăța. „Îmi amintesc de mine cu un babi pătrat albastru și alb, cu ochelari, care era strabat și dolofan și cu părul creț, pictând. Îmi amintesc că a ales un album de autocolante cu peisajele care veneau în batoanele de ciocolată Nestlé și care se numeau Far Lands. Aș alege una și pe un suport de carton aș schița cu cărbune, iar apoi aș face culorile și mi-aș spune: „puneți uleiul pe voi înșivă”. Nu i-am permis să mă corecteze. Nu suportam ca nimeni să-mi atingă pictura. Și a spus: Nu știu de ce vin aici! ".
«Într-o pictură lumea dispare și, în același timp, se prezintă»
Mai târziu a intrat la Școala de Arhitectură, dar l-a dezamăgit pentru că acolo nu a găsit „dialogul cu pictura” de care avea nevoie. În singura sa experiență de lucru într-o firmă de arhitectură, el s-a confruntat ironic cu un om bogat și arogant, care i-a cerut cele mai bune - „și nu economisește cheltuieli” - și a proiectat o cameră de agrement care valorează mai mult decât casa întreagă.
Alături de alți pictori precum José María Sicilia, Chema Cobo și Guillermo Pérez Guialta, Nacho Angulo a participat la Școala de Arhitectură Arturo Pardos, care a fost menită să contribuie la promovarea disciplinelor carierei, dar care a contribuit la opus. «Arturo a dat subiecte opționale precum gândirea contemporană, filosofia, estetica contemporană, poezia. Și acei subiecți luau o importanță mult mai importantă pentru noi. Următoarea generație, a spus Arturo, a fost mult mai pragmatică, a vrut să obțină titlul cu orice preț și să nu se distreze în lucruri inutile. Dar tocmai asta ne-a interesat: lucruri care sunt inutile ".
Angulo a optat pentru pictură și părinții săi au retras orice sprijin financiar. A trăit pe ea, de atunci până astăzi. Este cunoscut ca „tâmplar” pentru utilizarea lemnului. A expus în galerii importante (Jorge Treysler, Teo, cu Elvira González și Fernando Mignoni, Fernando Herencia) și târguri. Și mai are timp: cu câțiva prieteni a format un grup care se numește, ironic, Matusalemsum, și se întâlnește la restaurantul Porfiados pentru a da sfaturi unui membru al Podemos.
Dacă te uiți în urmă, cum a evoluat pictura ta pentru a întâlni lemnul?
Pictura mea a fost la început o pictură figurativă pe suporturi convenționale, octogonale, a fost foarte expresionistă și foarte violentă. A vorbit despre o tensiune foarte puternică. Această pictură s-a transformat de-a lungul timpului într-o pictură non-figurativă, mai geometrică, și a apărut nevoia de a abandona elementele iluziei din pictură: să nu se utilizeze efectele, tehnica care face ca ceva să pară să aibă adâncime în spațiu sau că are un volum ... A existat o cerere de a spune nu la asta. Și de aceea lemnul apare ca unealtă. Nu ca scop, ci ca mijloc. Pentru că am construit ei înșiși obiectele. Dacă ar fi fost nevoie să se creeze diferențe în planuri într-un spațiu cu adâncime, s-ar putea face cu lemn. Îmi amintesc un critic de Francisco Calvo Serraller care vorbea despre „tablouri construite” și părea foarte bine numit.
Deci, trecem de la simulare sau efectele care o produc la ceea ce există cu adevărat? Dacă există o denivelare există, dacă există o adâncime există.
Într-adevăr, dar rămânând întotdeauna pe planul pictural.
Pare o frontieră complexă. Unde este diferența dintre pictură și sculptură?
O diferență între pictură și sculptură? În unele cazuri există o diferență și intenționată. Am păstrat un spațiu în care lucrez, care este spațiul tradiției picturale. Acest spațiu este un spațiu sprijinit pe perete, cu un spate care nu se vede, cu o limită a obiectului (nu trebuie să fie octogonal). Apoi am încetat să pun întrebări despre asta, am păstrat octogonul. Dar întotdeauna în pictorial. Fragmentul atât de condensat, atât de izolat de realitatea din care face parte, mă fascinează. Pentru mine, o sculptură, un obiect care este acolo, este mult mai asemănător cu obiectele realității. Este mai puțin fictiv, pot să-l explic? poate fi și altceva. În schimb, o pictură este o scenă. E mai mult ficțiune și am nevoie de asta.
Sunt de acord, se explică.
Îmi amintesc de o expoziție la Reina Sofía de Kounellis, care mi se pare un mare artist. în care era o cameră mare, obiecte sprijinite pe perete, grinzi cu saci de cărbune; Vorbeam despre munca grea. Dar ferește-te, cum a fost situat acest lucru în spațiu? Astfel încât să producă un efect de forță a conținutului, pentru a spune ceva. Dar nu numai: există și o cerere, nu vreau să spun estetică, ci de relații spațiale și cromatice, care este o cerere clasică. Nu este că este mai bine sau mai rău, dar există. Simt nevoia de a păstra asta cu spațiul pictural, făcând parte din tradiție. Pot pune mii de întrebări în spațiul respectiv, dar accept.
Generalizând, se observă că arta contemporană a uitat uneori acea strămoșe. Pare chiar anacronic să vorbim despre concepte formale sau abilități tehnice. Mulți proprietari de galerii vorbesc dacă o piesă „funcționează”.Ce crezi?
Am observat că există acceptare, atât din partea persoanei care o face, cât și din partea persoanei care o primește, în măsura în care realizează lucruri fanteziste. O virguería este un lucru foarte bine făcut și ciudat în ceea ce privește realizarea, în ceea ce privește găsirea în realizare. [Tace o clipă, se uită la masa de jos din fața noastră]. Pe masă sunt câteva ouă de piatră, despre care majoritatea oamenilor știu că există, dar cineva se gândește să localizeze acele ouă într-un anumit mod. Pentru mine, acesta este un act virguero, dar nu este un act care are consecințe puternice.
Vorbim cu inteligență?
«În cele din urmă, lucrarea este puțin ceea ce îmi doream, dar foarte la final»
Da, numiți-o așa, cred că există multe din asta. În lucrările recente pe care le-am făcut, în care există multă muncă tehnică, acea muncă nu răspunde acestei nevoi de virgulitate. Nu pretind asta. Știu pur și simplu că nu poate fi altfel. Ceea ce susțin trebuie să fie bine din punct de vedere tehnic, foarte elaborat. Dar nu există intenția de a face lucruri fanteziste. Când vedeți cele mai recente lucrări ale mele, nu cred că produc o senzație de virgulitate, ci de muncă. Și când spun muncă, nu prețuiesc munca pentru muncă.
Vrei să spui că lucrarea în sine dictează timpul de finalizare?
Este foarte dificil să susții realizarea. Pentru că eu cred că, din punct de vedere psihologic, atunci când lucrezi mult, trebuie să primești rezultate pentru a susține toată acea cheltuială de energie. Dăi și primești, iar asta îți dă energie să continui. În cazul lucrărilor mele, acest lucru nu se produce. Dați, dați, dați, cheltuiți energie și vedeți rezultate și acestea nu se manifestă mult timp. Încep să se manifeste foarte târziu. Cu care, susținerea este foarte complicată.